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Gene Polley (1915–2012)
Sin dudas, fue el Rey del Zapping. Polley inventó el primer control remoto inalámbrico para la televisión en 1955 cuando trabajaba como ingeniero para Zenith Electronics en Chicago. En ese entonces recibió un bonus de 2.000 dólares por su histórica contribución, pero en 1997 le fue otorgado un premio Emmy por su aporte a la televisión.
La compañía comercializó el dispositivo con el nombre de Flash-Matic. “Un destello de luz mágica desde el otro lado de la habitación prende, apaga o cambia los canales”, decía una publicidad de la empresa. “¡Y usted permanece en su sillón”.
El aparato sólo funcionaba con la televisión Flash-Matic de Zenith y utilizaba un haz de luz que controlaba las células fotográficas en cada esquina de la TV.
Los historiadores aseguran que el dispositivo allanó el camino a la televisión con cientos de canales.
Además, se dice que el Flash-Matic tenía otra función innovadora por la que muchos deben estar agradecidos: un botón para silenciar la TV que permitía a los usuarios bajar del todo el volumen durante los comerciales.
Así era el primer control remoto. Parecía una pistola salida de una B-Movie.
Maurice Sendak (1928-2012)
Dice El Informador:
Un largo historial de problemas del corazón finalmente apagó la existencia del escritor Maurice Sendak, autor del popular libro ‘Donde habitan los monstruos’, publicado en 1963 y que en 2009 se convirtió en una película que llegó a estar nominada en los Globos de Oro.
Sendak, de 83 años, tuvo una prolífica carrera en la literatura, firmando más de unc entenar de obras y trabajando también en proyectos para televisión, obras de teatro e incluso incursionó en el diseño de escenografías.
“Murió el martes en Danbury, Connecticut (noreste de Estados Unidos). La causa fue una complicación por un reciente infarto”, dijo a la AFP Erin Crum, de la editorial HarperCollins en Nueva York.
Tanto críticos como admiradores han señalado que es imposible imaginar la literatura infantil sin Sendak, cuyas obras escritas a lo largo de 60 años de carrera han sido leídas por millones de personas y traducidas a decenas de idiomas.
Los cuentos de Sendak, que introdujeron al lector a un mundo mágico de grandes riquezas visuales y narrativas, han sido una parte fundamental de la niñez estadounidense a partir de la generación nacida tras 1960.
Su obra literaria es amplia pero Sendak es principalmente conocido por más de una decena de cuentos infantiles que él mismo ilustró también, incluyendo “Donde viven los monstruos”, que le consiguió la prestigiosa Medalla Caldecott en 1964 y sigue cosechando éxitos de venta en todo el mundo.
El autor de “La cocina de noche” (“In the Night Kitchen”) también obtuvo, en 1996, la Medalla Nacional de las Artes de manos del entonces presidente Bill Clinton por su vasta obra literaria.
Sendak, según los críticos, sentó escuela porque nunca limitó su obra a la fórmula convencional, segura y fielmente seguida por otros autores de cuentos infantiles: también presentó al lector el lado más “oscuro” de la psique humana.
Sendak también se dio a conocer por sus imaginativas ilustraciones en obras como “A Hole is To Dig”, de Ruth Krauss, y “Little Bear”, de Else Holmelund Minarik.
Además de elogios, algunas de sus obras suscitaron controversia y censura, como es el caso de “La cocina de noche”, que en el pasado ha sido censurado por el desnudo infantil, en el que algunos detractores ven connotaciones eróticas.
A través de su obra, Sendak dejó en claro que no le incomodaba romper los moldes y tradiciones de la literatura infantil estadounidense. Como prueba, muchos de sus libros incluyen héroes y heroínas que, contrario a lo que dictaban las convenciones, no eran bien portados sino que podían ser tercos y hasta repugnantes.
En el libro “Donde viven los monstruos”, que además ha sido adaptado al teatro y al cine, Sendak cuenta la historia de un niño llamado Max que se embarca en un paseo por su propia imaginación después de que su madre lo castigó con irse a la cama sin cenar.
Ya en su habitación, Max se imagina en una extensa jungla poblada por monstruos que inspiran terror pero, al final, el niño demuestra su valentía y los vence uno a uno mirándoles fijamente a los ojos sin parpadear. Aunque los monstruos lo coronan como su rey, Max se siente solo y desea regresar a la habitación de su casa, donde le espera la cena, aún tibia.
El libro, un clásico de la literatura infantil, logró un volumen de ventas superior a los 19 millones de ejemplares en 2009, buena parte de ellos en Estados Unidos.
Entre su vasta obra literaria figuran cuentos como “Outside Over There” (1981), “The Sign on Rosie’s Door” (1960), “Higglety Pigglety Pop!” (1967), y “The Nutshell Library” (1962).
Roland Moreno (1945-2012)
Dice Milenio:
El inventor de la tarjeta con chip, el francés Roland Moreno, murió el domingo en París a la edad de 66 años, anunció el diario Le Parisien en su portal Internet.
Moreno, quien nació el 11 de junio de 1945 en El Cairo, tenía pasión por la electrónica. Presentó la primera versión de la tarjeta con chip en 1974 y solicitó un total de 45 patentes durante los cinco años siguientes.
No obstante, veinte años después, esas patentes pasaron al dominio público, lo que provocó dificultades financieras a la empresa Innovatron, fundada por Moreno en 1972.
En 2000, Moreno anunció que daría un millón de euros a quien lograra quebrar el código de una carta con chip en un plazo de tres meses, lo cual no ocurrió.
La tarjeta con chip ha sido usada de varios modos diferentes, por ejemplo como tarjeta de crédito bancario o como tarjeta SIM para los teléfonos celulares.
Jean Giraud (1938-2012)
Dice Jejús Jiménez de RTVE:
Jean Giraud (Moebius), el padre del Teniente Blueberry, del Incal, de Arzak y del Garaje hermético nos ha dejado a los 73 años. Su inquietud, valentía y afán por llevar el cómic a fronteras inexploradas le convierte, sin ninguna duda, en el dibujante más importante del cómic de las últimas décadas.
Su último trabajo publicado en España, Arzak el vigilante (Norma) había sido nominado esta misma semana al mejor cómic extranjero para la próxima edición del Salón del Cómic de Barcelona.
Como el protagonista de ese cómic, Moebius nos hizo volar más allá de cualquier frontera demostrando que el cómic es el medio perfecto para experimentar y descubrir nuevos mundos. Viendo sus espectaculares dibujos para ese personaje con el que se reencontraba tras 35 años, sólo podemos constatar que Moebius se hallaba en su mejor momento creativo.
Un genio y una excelente persona
A pesar de ser el referente del cómic europeo, Moebius era, ante todo, una gran persona, como pudimos comprobar en el Salón del cómic de Barcelona de hace un par de años cuando le entrevistamos el mismo día que cumplía 71 años , aunque por error escribiésemos 73 en la noticia, curiosamente la edad con la que ha fallecido.
Allí, en un estupendo castellano (aprendido durante sus muchos años en México), Moebius nos contó sus proyectos entre los que se encontraba la trilogía de Arzak, que nunca veremos acabada, y nuevos planes para Blueberry, el mejor cómic del oeste de la historia.
Y es que Moebius centró su carrera en dos mundos tan distintos como el western y el espacio, que juntó en numerosas ocasiones, como en Arzak. “El western es la frontera del mundo occidental y el espacio la del planeta tierra, son dos mundos similares”, comentaba.
“De momento voy a dejar aparcado a Blueberry, pero tengo pensado un argumento para él que se ambienta en 1900 y el personaje ya tiene 58 años, pero conserva su fuerza”. Una historia que ahora quedará inédita.
En busca de nuevos mundos
Tras dibujar la serie Frank et Jeremie para la revista Far West, Giraud trabajó desde 1961 como aprendiz de Jijé, uno de los grandes maestros del cómic, colaborando en un álbum de Jerry Spring.
Pero la fama le llegó como dibujante de El teniente Blueberry, que guionizaba Jean-Michel Charlier y cuya primera entrega se publicó en la revista Pilote en 1964.
A pesar del éxito, Giraud quería hacer cosas más personales y cuando comenzó a trabajar para la revista Hara-kiri adoptó el seudónimo Moebius, que tomó del astrónomo alemán. Y en 1974 formó el grupo de los Humanoides asociados con otros autores como Philippe Druillet, Dionnet y Farkas.
Juntos editarían la revista Métal Hurlant, un laboratorio de experimentación donde Jean Giraud publicaría en 1975 obras de fantasía y ciencia ficción tan influyentes como Arzach o The long tomorrow (con guión de Dan O´Bannon, que influyó en gran medida en la adaptación cinematográfica de Alien).
La revista se adaptó al cine con el título americano Heavy metal, (1981) con Arzak como uno de los protagonistas y el tiempo la ha convertido en una película de culto.
De esa época es también la innovadora El Garaje hermético (1976-1980) una de las obras más incomprensibles pero también geniales de la ciencia ficción. Una historia sin pies ni cabeza con la que dio rienda suelta a su imaginación sin límites.
Giraud también trabajó en la adaptación al cine de Dune, llevada a cabo por Jodorowsky y que nunca fue completada. El propio Jodorowski nos comentaba hace un mes que por fin se van a editar los casi cinco mil dibujos que Moebius realizó para dicha película.
Jean Giraud participó en los diseños de muchas otras películas, como Alien (1979), Tron (1982), Masters del universo (1986), Willow (1987) o Abyss (1989), George Lucas también usó uno de los diseños de Giraud para la Imperial Probe Droid en Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca.
El Incal
En 1980, inició con la saga de El Incal su fructífera colaboración con el guionista Alejandro Jodorowsky, que daría lugar a la saga espacial más importante del cómic europeo e iría ampliándose con la saga de Los Metabarones.
En los últimos años, Jean Giraud había potenciado su trabajo como guionista, encargándose de la serie Blueberry tras el fallecimiento de Jean-Michel Charlier, donde adaptó, en una trilogía el mítico duelo en Ok Corral. También escribió Cristal Moteur para Marc Bati, un remake de Little Nemo para Bruno Marchand e Icaro con dibujos de Jiro Taniguchi.
Participó como diseñador en El quinto elemento (1997) y colaboró en videojuegos tan importantes como Panzer Dragoon (1995) y Seven Samurai 20XX (2004), diseñando a todos los personajes.
Inside Moebius
El afán de experimentación que le ha guiado toda su vida le llevó a probar las drogas. Su madre se casó con un mejicano cuando Moebius tenía 16 años y se fueron a México donde descubrió el sexo y las drogas. sobre todo la marihuana, algo que nunca ocultó.
Con 65 años decidió dejarla, algo que reflejó en su obra más personal, Inside Moebius (Norma Editorial) en la que volvió a reinventarse a sí mismo, a los casi 70 años.
La estructura de este cómic es autobiográfica, como un diario personal, pero con el estilo inimitable de Moebius, de forma que reflexiona sobre el pánico del creador ante la hoja en blanco, sobre la complicada labor de guionizar Blueberry y, al mismo tiempo, enfrentarse a sus personajes de ciencia ficción como Arzak.
Giraud aseguraba que empezó a escribir esta historia a raíz de abandonar la marihuana, y en sus páginas han quedado plasmadas las angustias, vivencias y pensamientos de uno de los mayores genios del cómic de todos los tiempos. Sin duda la obra que nos permite conocerlo mejor.
El cómic despide a uno de sus grandes innovadores, un dibujante genial pero sobre todo, un creador de mundos con una imaginación desbordante y un tipo estupendo.
Miguel Iglesias Bonns (1915-2012)
Dice el ABC:
El veterano cineasta Miguel Iglesias Bonns, cuya carrera estuvo vinculada sobre todo al género policiaco y de terror, con títulos como “El cerco” (1955), “La maldición de la bestia” (1975), “Presagio” (1970) o “Desnuda inquietud” (1976), ha fallecido en Barcelona a los 96 años.
Iglesias (Barcelona, 1915) comenzó su carrera tras las cámaras a finales de los años 40 y, en sus cerca de cincuenta años de trayectoria profesional, dirigió sobre todo producciones policiacas como “El fugitivo de Amberes” (1954) o “El cerco” (1955) -donde las calles de Barcelona cobraban especial protagonismo-, o la coproducción con Italia “Destino Estambul 68″ (1967).
Pese a ser poco conocido para el gran público, la extensa filmografía de Iglesias Bonns, con cerca de 40 películas acreditadas, contaba con numerosos seguidores entre los amantes del cine de terror de serie B, un subgénero al que aportó títulos como “La maldición de la bestia” (1975), protagonizada por el mítico Paul Naschy, “Desnuda inquietud” (1976), con una exultante Nadiuska, en plena época del cine erótico soft, o “Presagio” (1970) con María Silva.
Iglesias mostró una gran versatilidad a lo largo de su carrera y así lo reflejan películas como “Tarzán y el misterio de la jungla” (1973), “La diosa salvaje” (1974) o “Kilma, reina de las amazonas” (1975), en las que las aventuras se mezclaban con la presencia de guapas actrices ligeras de ropa.
También abordó el género de la comedia en películas como “Una rosa al viento” (1984), protagonizada por Alfredo Landa, Mónica Randall y el músico Xavier Cugat, con quien mantuvo una gran amistad, ha recordado su hijo Josep Maria Iglesias.
Cómo veía sus películas
El hijo del director fallecido ha señalado que su padre empezó haciendo cortometrajes como aficionado, con los que ganó algunos premios, y posteriormente pudo dedicarse al cine profesional, que “es lo que quiso y pudo hacer durante toda su vida”. Ha añadido que en los últimos años, Miguel Iglesias seguía visionando sus películas y que solía comentar que “hoy en día las hubiera hecho de otra manera”.
El historiador cinematográfico Angel Comas dedicó un libro al director: “Miguel Iglesias Bonns. ‘Cult movies’ y cine de género”, dedicado a la obra del director de “La ley del Mar” que supo tomar el pulso de un cine eminentemente popular.
El director catalán cerró su filmografía en 1988, a los 71 años, con el thriller “Barcelona Connection”, una película protagonizada por Sergi Mateu y Claudia Gravy con guión de José Luis Garci y Andreu Martín
Ralph McQuarrie (1929-2012)
Dice Milenio:
Ralph McQuarrie, el dibujante que colaboró con el director de cine George Lucas para ilustrar el concepto visual de la saga de ciencia ficción de “La Guerra de las Galaxias”, murió a los 82 años, informó su página web el domingo.
“Con gran pesar anunciamos la muerte de Ralph McQuarrie” el sábado, indicó su portal oficial.
“Su influencia en el diseño durará por siempre”, agregó el comunicado. “En nuestros corazones no nos cabe duda de que, en los siglos venideros, planearán naves espaciales, se elevarán las ciudades del futuro y alguien dirá ‘esto luce como algo que Ralph MaQuarrie habría dibujado”.
Nacido el 13 de junio en Gary, Indiana (noreste), el artista visual se trasladó en los años ’60 a Los Ángeles y creó los ya clásicos personajes de Darth Vader, Chewbacca, R2-D2 y C-3PO de la trilogía original “Star Wars”, de fines de los ’70 y principios de los ’80.
También colaboró con el director Steven Spielberg al idear arte conceptual de “Encuentros cercanos del tercer tipo” (1977) y la nave espacial de “E.T.” (1982).
Fue responsable además del concepto visual de “Coccoon” (1985), el filme de Ron Howard sobre un grupo de ancianos que descubren la fuente de la juventud y que le mereció el Oscar a mejores efectos especiales.
“Gracias, señor McQuarrie, por el increíble trabajo que compartió con nosotros. Que la fuerza esté con usted, siempre”, escribió Denise Vielhauer, una de los cientos de fans que inundaron con mensajes de pésame su página en la red social Facebook.
John Severin (1921-2012)
Dice Nación del Cómic:
El dia de hoy nos enteramos del sensible fallecimiento del autor John Saverin a los 90 años de edad.
John Saverin, hermano de Marie Saverin, colorista de Marvel, fué uno de los dibujantes más importantes de la primera mitad del Siglo XX, durante este periodo, alcanzó la fama con sus representasiones de cómics de corte bélico y del salvaje oeste en la compañía EC Comics, trabajó bajo la tutela de varios grandes de la historieta como Jack Kirby y Harvey Kurtzman, una de las mentes detrás de la creación de la revista MAD, además de ser uno de los fundadores de la revista de humorCracked y colaborar en ella bajo los seudónimos de “Nireves“, “Le Poer” y “Noel”
Saverin también formó parte de la Editorial Atlas, que después pasaría a ser Marvel Comics, sobre su trabajo, el jefe de Marvel en aquél entonces, Stan Lee, se refería a su estilo de arte como único y totalmente reconocible, fuera sobre vaqueros, criminales, sagas de superhéroes o una trama de ciencia ficción. Durante la transición de la compañía a su nuevo y definitvo nombre, se encargó del trazo y tintas de varios títulos fundamentales como Sgt. Fury and His Howling Commandos, Incredible Hulk, Kull The Conqueror, The Nam o Semper Fi, además de ser el autor de su propia historieta de vaqueros, The Rawhide Kid. Dentro de los galardones que recibiera en vida, se encuentran premios Alley Award, el premio International Inkpot de la Comic-Con en 1998 y los premios a la trayectroria Charles Schultz y Jules Verne Estate, en 2003 fue introducido al Salón de la Fama de los premios Eisner, sus últimos trabajos realizados en ese año fueron en Dark Horse para las series de Conan y B.P.R.D.
Su estilo siempre llamaba la atención por lo imponente y dramático de los trazos, además de ser reconocido por el detalle que prestaba y su extensa investigación en temas del Viejo Oeste y bélicos, reflejado en expresiones vivas y la fluidez secuencial que forjó toda la época junto a otros grandes de la ilustración de cómics. Pueden leer el obituario emitido por su familia en la página The Beat, además de que en EntreComics podrán encontrar ligas a varios de sus trabajos. Descanse en paz uno de los grandes ilustradores del cómic.
Eiko Ishioka (1939-2012)
Dice Vanguardia:
La famosa artista japonesa falleció a los 73 años a causa de un cáncer de páncreas. Sus complejos e imaginativos diseños también se vieron en películas de Tarsem Singh y Ray Loriga
Pasó de ser la diseñadora artística más famosa de Japón a una de las más renombradas del mundo entero. Su trabajo iba mucho más allá de la estilización pura, creando vestuarios majestuosos, recargados al máximo y perfecta combinación entre lo colorista y lo tenebroso. Eiko Ishioka murió el sábado en su Tokio natal a los 73 años víctima de un cáncer de páncreas, con su último trabajo para el cine (“Mirror, Mirror”, la versión de Blancanieves dirigida por Tarsem Singh) todavía sin estrenar.
A lo largo de su vida, Ishioka trabajó para todos los medios posibles. Y esta licenciada de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio alcanzó un gran reconocimiento crítico y artístico en todos ellos. Su primera incursión en el cine fue con el diseño de producción de “Mishima”, de Paul Schrader. El jurado del Festival de Cannes le concedió un premio especial por su “contribución artística”, combinada con la fotografía de John Bailey y la música de Philip Glass. El año siguiente, en 1986, ganó un Grammy por su diseño de la portada de “Tutu”, de Miles Davis. En 1988, dos nominaciones a los Tony por el montaje de David Henry Hwang de “M. Butterfly”.
Fuera de Broadway, alcanzó la perfección colaborando con Cirque du Soleil en Varekai y con la increíble ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Pekín en 2008.La celda
Pero, dejando a un lado otros hitos como vistosas contribuciones en forma de vestuario para Grace Jones y Björk (para quien dirigió el videoclip de ‘Cocoon’), los cinéfilos la conocieron sobre todo después de ganar el Oscar por el apabullante y mefistotélico diseño de vestuario de “Drácula”, de Bram Stoker, la película de Francis Ford Coppola.
Aunque trabajó con otros realizadores (como Ray Loriga en Teresa, el cuerpo de Cristo), sus trabajos, siempre a medio camino entre ortopedias de alta costura y el armario de un surrealista, los trabajos de la japonesa encontraron una pasarela perfecta en las películas de Tarsem Singh. “La celda”, “The Fall”, “Immortals”… todas ellas fusionan el trabajo visual de ambos artistas en perfecta mímesis. Hasta llegar a “Blancanieves” (Mirror, Mirror), su última colaboración, que se estrenará el 23 de marzo y cuyo tráiler ya da buena cuenta del despliegue cromático que podemos esperar en el vestuario de Lily Collins y Julia Roberts. La pregunta para hacerse después es a dónde irá el cine de Tarsem a partir de ahora.
El Payador dice:
Era un terror raro, no visto, impactante. Sus diseños en Drácula y la Célula me volaron la cabeza. Me dieron mucho miedo, me recordaban a mis pesadillas, pero al mismo tiempo no podía dejar de maravillarme. Era de esas veces que quieres seguir viendo algo que te aterroriza, gozar el temor. Larga vida a Eiko.
Tío Patota (1941-2012)
Dice Reforma:
El escritor y cuentacuentos Eduardo Robles “Tío Patota” (México, 1941-2012) falleció el domingo en Portland, Oregon, en los Estados Unidos, a los 70 años de edad, informó el Instituto Nacional de Bellas Artes.
Hijo de refugiados españoles en México, fue pionero de la narración oral y creó el método de motivación lectora “Si no leo, me a burro”, que ha merecido varias ediciones.
“Un mal cuento puede ser mejorado y uno bueno puede ser destrozado, pero tiene que gustarte la historia para que le pongas emoción, la palabra precisa, el gesto sorpresivo y le guste a los demás”, decía el Tío Patota.
Formó parte del grupo de fundadores del capítulo México del International Board on Books for Young People (IBBY-México) en 1979 y fue asesor externo de Papalote Museo del Niño.
Estudió periodismo en la Universidad de Venezuela. Fue autor de libros de cuentos infantiles, novelas para adolescentes, teatro y poesía.
Robles recibió en 1982 el Diploma del Jurado Internacional del Premio Hans Christian Andersen por considerar su obra de “importancia internacional” con el cuento “La cartita que viajó en jet” (1972), que destaca la importancia de las cartas tradicionales y la expresividad que transmite la letra escrita “a mano”.
Publicó, entre otros libros, “La cartita que viajó en jet”, “Las Letras de mi máquina de escribir”, “Un día nació un punto”, “Estuve en el fin del mundo” y “El amor imposible de Pitágoras”.
Bob Anderson (1922-2012)
Dice EL País:
Bob Anderson es uno de esos mitos de Hollywood que nadie conoce por su nombre y sí por su trabajo. Con sus coreografías de esgrima, Darth Vader le cortó la mano a Luke Skywalker en Star Wars, en la trilogía de El señor de los anillos cada ‘cultura’ tiene su estilo de lucha y en La princesa prometida se pudo ver uno de los mejores duelos de la historia del cine, entre dos espadachines diestros que se hacen pasar por zurdos. Esgrimista -participó en los Juegos Olímpicos de 1952- y actor, Anderson falleció el 1 de enero a los 89 años.
Nacido en 1922 en Gosport, al sur de Inglaterra, con 20 años representó a Gran Bretaña en los Juegos Olímpicos de Helsinki, donde consiguió una meritoria quinta plaza, y en los Mundiales del 50 y el 53. Fue durante la celebración de los Juegos cuando fue reclutado por Hollywood para ayudar al actor Errol Flynn en las escenas de esgrima deEl señor de Balantry (1953) y Espadas cruzadas(1954).
Comenzó su carrera en el cine como doble de actores en escenas de lucha en películas como Los cañones de Navarone (1961) o Desde Rusia con Amor (1963), y acabó siendo un maestro de la esgrima cinematográfica:Barry Lyndon (1975), la trilogía original de La guerra de las galaxias (1977-1983), Los inmortales (1986), La princesa prometida (1987), La máscara del Zorro (1998), la trilogía de El señor de los anillos (2001-2003) o el Alatriste (2006) de Díaz Yanes.
Precisamente Alatriste fue su último trabajo. Díaz Yanes, en conversación telefónica, recuerda cómo fue trabajar con él: “Era un genio, fue maravilloso. Un inglés auténtico, pero con retranca”. El director recuerda con cariño no solo la ayuda recibida como maestro de armas, sino lo mucho que todo el equipo aprendió del cine en general con él y cómo colocar las cámaras para rodar las escenas: “No ocultaba nada, al revés, lo explicaba todo. Aprendimos mucho de cine con él”. La adaptación de la obra de Arturo Pérez Reverte fue el último trabajo de Anderson, cuando ya estaba enfermo de cáncer. Díaz Yanes cuenta que el maestro no paró de decir durante todo el rodaje lo mucho que estaba disfrutando con ese trabajo en España. “Le quise mucho. Es un genio, un monstruo del toreo”.
En El imperio contraataca fue el actor encargado de ponerse bajo la capa y casco de Darth Vader en el famoso duelo con Luke, clímax de la película y de casi toda la saga. Un poco más bajo que el actor que representaba el papel de Vader, tuvo que hacer toda la coreografía con alzas en las botas. Para la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson se estudió a fondo los libros de Tolkien para crear un estilo diferente para cada ‘cultura’: enanos, elfos, orcos… El documental Reclaiming the blade, de Daniel McNicoll, le rinde homenaje como el maestro de espadas de Hollywood.
Pedro Armendáriz Jr. (1940-2011)
Dice El Sol de México en Línea:
México.- El primer actor Pedro Armendáriz falleció este lunes a la edad de 71 años, víctima de cáncer, en el hospital Sloan Kettering de la ciudad estadounidense de Nueva York.
Según reportó el periodista Joaquín López Dóriga en su cuenta de Twitter alrededor de las 14:20 horas: “Les informo que acaba de morir Pedro Armendáriz. El gran actor mexicano Pedro Armendáriz Jr falleció de cáncer. Pedro Armendáriz Jr se había ido a NY hace 2 semanas, a revisarse de lo que parecía ser un problema cancerígeno que encontraron muy avanzado. Pedro Armendáriz Jr falleció en el Sloan Kettering Hospital de NY. La causa, un devastador cáncer terminal. Descanse en paz el actor y amigo”.
Pedro Armendáriz Jr. apareció en más de 140 películas. Entre ellas El Crimen del Padre Amaro, Matando Cabos, La ley de Herodes, Serafín la Película, La Máscara del Zorro, Estas Ruinas que ves, Navidad S.A.
También participó en las telenovelas La Fuerza del Destino (2011), Atrévete a soñar (2009-2010), Destilando Amor (2007), Yo amo a Juan Querendón (2007) , Amy, la niña de la mochila azul (2004), Bajo la misma piel (2003-2004), Laberintos de pasión (1999-2000) , Tres Mujeres (1999-2000), Serafín (1999), La sombra del otro (1996), La culpa (1996), Agujetas de color de rosa (1994-1995), Nuevo amanecer (1988), El camino secreto (1986-1987), La gloria y el infierno (1986) y Me llaman Martina Sola (1972).
En 2006 se le reconoció en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara con el Premio Mayahuel de Plata por sus aportaciones al cine mexicano, además de haber participado en diferentes puestas en escena.
En 2010 fue reconocido en el Festival Internacional de Cine de Monterrey con el Premio Cabrito de Plata, por su distinguida trayectoria artística que cubre cuatro y media décadas en el cine y en la televisión.
Además participó en los doblajes de cinco películas como Atlantis: El imperio perdido, donde dobla al capitán Lyle Rourke, Cars, donde dobla a Doc Hudson, Kung Fu Panda, donde dobla al maestro Shifu, Nikté, donde dobla a Ka’s, La mexicana, donde dobla a la policía mexicana, y en Érase una vez en México, donde dobla al presidente. Su voz aparece también en el documental Océanos.
Pedro Armendáriz Pardo nació el 6 de abril de 1940 ; hijo del popular actor Pedro Armendáriz. Estuvo casado con Lucía Gómez de Parada, quien fuera modelo de Televisa con la campaña “Hermosa República Mexicana. Pedro y Lucía tuvieron varios hijos. Después de su divorcio, Pedro se casó con la actriz Ofelia Medina, de quien también se divorció.
Eduardo Barreto (1954-2011)
Dice El País:
El miércoles hacia las 22 horas falleció el dibujante de cómics uruguayo Eduardo Barreto, quien durante más de cuatro décadas de trabajo destacó en su terreno, especialmente por sus dibujos de Batman, Spiderman e Indiana Jones.
El dibujante trabajó con las más importantes editoriales del mundo y obtuvo varios premios internacionales, entre ellos el Wizard Fan Award en 1993, uno de los principales galardones que se otorgan en Estados Unidos. Además, trabajó en La Guerra de las Galaxias y Alien vs. Depredador, y fue reconocido por su popular novela de gánsters Union Station.
Sin embargo, Barreto siempre se negó a considerarse a sí mismo un artista, según consignó en una ocasión El País, y rechazaba con energía a aquellos que utilizaban esa etiqueta para sacar réditos inmerecidos. Por el contrario, prefería la definición como un artesano del dibujo.
Desde su casa en la Costa de Oro, este original artesano había ideado versiones rupturistas de Batman y Superman, entre otros aportes al competitivo mundo de los dibujantes de cómics. Con sus lápices y pinceles, había dado vida a más de 1.500 títulos, entre tapas, cómics y novelas gráficas, en cuarenta años de trayectoria.
Además de trabajar por décadas para las más prestigiosas editoriales del planeta, Marvel y DC Comics, por varios años ilustró la tira Judge Parker, que se publica en 175 diarios estadounidenses.
Under a yellow Sun, Speeding Bullets, Master of the Future (la secuela de Gotham by Gaslight), la novela gráfica The Unauthorized Biography of Lex Luthor, Atari Force y una prolongada etapa como dibujante de los New Teen Titans en la segunda mitad de la década de los 80, son algunos de los hitos de su carrera, que tuvo como uno de sus últimos trabajos la miniserie Cobb: Off the Leash, de la Editorial IDW, escrita por Beau Smith
Barreto, que tenía 58 años, había declarado en una entrevista a El País de 2009 que se había enamorado de su oficio “hace mil años”, y que disfrutaba de su trabajo porque le permitía continuar siendo y divirtiéndose como un niño de diez años, en plena adultez.
“Si para entender algo tan banal como la muerte de Superman (que seguramente lo van a resucitar al mes siguiente), se deben leer 300 números para atrás, tanto el cómic como la novela gráfica van camino a la extinción. La historieta se está volviendo barroca, encerrada en sí misma y se está matando a la gallina de los huevos de oro -el género- porque se mata al lector casual”, señaló entonces, aunque rescatando que “ya no es más la hermanita pobre del cine” como se la definió por años.
“El 90% de los que se autodefinen artistas difícilmente saben de qué lado está el pelo de un pincel. Con la palabra artista se intenta justificar eso de la `libertad conceptual`. Con la misma seriedad te digo que me considero un artesano, que está unos escalones más abajo”, había declarado con su característica modestia.
Joe Simon (1913-2011)
Dice Reuters:
El artista de cómics Joe Simon, quien creó al Capitán América junto al fallecido Jack Kirby, murió a los 98 años, dijo el jueves un portavoz de la familia.
Simon falleció por causas naturales el miércoles en su casa de Nueva York rodeado de su familia, informó Steve Saffel, quien trabajó con él en su autobiografía “Joe Simon: My Life in Comics”.
El primer ejemplar del Capitán América de Simon y Kirby, publicado a finales de 1940 por el predecesor de Marvel Comics un año antes del bombardeo japonés de Pearl Harbor, vendió casi un millón de copias.
Aunque Estados Unidos no había entrado en la Segunda Guerra Mundial, al público americano le preocupaba la amenaza de la Alemania nazi encabezada por el dictador Adolf Hitler.
En el cómic, el Capitán América se ocupa de Hitler, golpeándole en la mandíbula.
“Joe sentía que el éxito o el fracaso de los cómics a menudo se basaban en la calidad del villano (…) y se dio cuenta de que tenían el mejor villano que podría haber en Adolf Hitler”, dijo Saffel.
El Capitán América es un superhéroe enfundado en los colores de la bandera estadounidense -rojo, blanco y azul- que adquiere una fuerza extraordinaria por un serum experimental y empuña un escudo indestructible.
“Entre muchos logros en el campo de los cómics, Joe Simon co-creó uno de los íconos de superhéroes más duraderos -de hecho uno de los mayores íconos estadounidense- del siglo XX. Todavía estoy por ver un superhéroe que necesitara menos explicación que el Capitán América ataviado de blanco, rojo y azul”, dijo Axel Alonso, editor de Marvel, en un comunicado.
Este año, la adaptación de Hollywood “El Capitán América: El primer vengador”, que destacó a Simon y Kirby como los creadores del personaje, recaudó 368 millones de dólares en la taquilla mundial.
Miguel Ángel Granados Chapa (1941-2011)
Dice El Universal:
Miguel Ángel Granados Chapa, periodista y colaborador del diario Reforma y Proceso, falleció esta tarde a los 70 años de edad.
También fue conductor en Radio UNAM, con su Plaza Pública.
Apenas este viernes anunció su retiro de las actividades periodísticas.
Símbolo del oficio y ejemplo de trabajo ético, Granados Chapa participó activamente en diversas publicaciones, entre ellas, los diarios La Jornada y Reforma y en la revista Proceso. En todas ellas plasmó sus ideas bajo el impecable trazo de la crítica.
Por su papel en la vida social y académica, y por la defensa de la libertad de expresión, recibió en 2008 a la Medalla Belisario Domínguez.
En ese mismo año fue elegido miembro de la Academia Mexicana de la Lengua.
En su última columna Plaza Pública del diario Reforma, que el maestro Granados Chapa tituló “De coalición a coalición”, aprovechó para despedirse de sus lectores y cerrar uno de los ciclos más fructíferos de su vida. “Esta es la última vez en que nos encontramos. Con esa convicción digo adiós”.
Su columna Plaza Pública apareció desde 1977 y se publica en Reforma desde su fundación, el 20 de noviembre de 1993.
Miguel Ángel Granados Chapa siempre dio un espacio especial a la Universidad Nacional Autónoma de México, donde cursó las carreras de derecho y de periodismo, aunque también realizó estudios de doctorado en historia en la Universidad Iberoamericana
En su carrera vivió distintas responsabilidades, entre éstas, la de subdirector editorial de Excélsior en 1976; director de la revista Proceso, de 1976 a 1977; jefe de los noticieros del canal 11, también 1977; director de Radio Educación, entre 1978 y 1979; director de La Jornada, entre 1988 y 1990, y director de la revista Mira, de 1990 a 1994. También participó con Manuel Becerra Acosta en el proyecto del Unomásuno.
Miguel Ángel Granados Chapa recibió en tres ocasiones el Premio Nacional de Periodismo.
Dennis Ritchie (1941-2011)
Dice Microsiervos:
Dicen que las desgracias nunca vienen solas, y a la muerte de Steve Jobs de la semana pasada se ha añadido estos días la de Dennis Ritchie, otro de los grandes de la informática. Tenía 70 años y pertenecía a la generación de los pioneros de la informática, aquel grupo de hackers que a falta de algo mejor tenía que inventar sus propios lenguajes y sistemas operativos. En la red era más conocido por dmr, sus iniciales y dirección de correo.
El legado de Ritchie es muy amplio, pero entre otras cosas están el lenguaje C y el sistema operativo Unix entre ellos, dos de los pilares de la informática moderna. Muchos le conocieron como la R de «Kernighan y Ritchie» (K&R) los autores de El lenguaje de programación C, probablemente su obra más popular y uno de los libros obligatorios en la biblioteca de cualquier programador.
El trabajo de Ritchie se desarrolló principalmente en los Laboratorios Bell de AT&T. Allí participó junto con Ken Thompson, Kernighan y otros en el desarrollo de Unix. Para ser 1969 y con las computadoras que había entonces, crear un sistema operativo multiusuario y multitarea no estuvo nada mal. Primero lo escribieron en ensamblador y después en C. El resto es historia: de él surgirían un montón de variantes comerciales y libres, como Solaris, AIX, el conocido Linux e incluso Mac OS X.
En 1983 Ritchie recibió el Premio Turing, que es el equivalente al Nobel de la Informática, por su contribución al desarrollo de los sistemas operativos en general y UNIX.
Como anécdota, se dice que aunque fuera el inventor de uno de los lenguajes de programación más importantes de todos los tiempos, en realidad su lenguaje favorito era el Alef, que formaba parte del proyecto de investigación Plan 9 de los Laboratorios Bell.
Steve Jobs (1955-2011)
Dice ABC:
Steve Paul Jobs, cofundador y presidente de Apple Computer, uno de los mayores innovadores en la industria informática, ha fallecido hoy después de transformar los hábitos de consumo de varias generaciones con productos como el iPod, el iPhone o el iPad.
Jobs revolucionó el mundo de los ordenadores con el lanzamiento del Macintosh y en el siglo XXI la industria de consumo con tres de los aparatos electrónicos más exitosos de la historia: el iPod, el iPhone y el iPad.
Nacido el 24 de febrero de 1955 en Los Altos (California, EEUU), fue adoptado a los pocos meses de vida por Paul y Clara Jobs.
Tras terminar el bachillerato en el instituto Homestead de Mountain View, ingresó en el Reed College en Portland, Oregón, pero abandonó los estudios universitarios un semestre más tarde.
En esa época, se interesó por la filosofía y la contracultura, llegando a viajar a la India en busca de iluminación espiritual.
Después de unas prácticas en 1974 en la empresa Hewlett-Packard en Palo Alto, fue contratado por Atari Inc. como diseñador de videojuegos.
En compañía del ingeniero Steve Wozniak, un viejo amigo del instituto con quien compartía su pasión por la electrónica y la mística religiosa, y de Ronald Gerald Wayne, se volcó desde 1974 en el desarrollo de una computadora dirigida a usuarios sin grandes conocimientos informáticos.
La capacidad visionaria de Jobs y la preparación técnica de Wozniak dieron sus frutos en 1976 con la creación en un garaje del Apple I, que consistía en un teclado combinado a un microprocesador y con conexión a un monitor. Ese año fundaron Apple Computer.
El Apple II, sucesor del I, se convirtió en el primer ordenador de consumo masivo, los pedidos llovieron y Apple pasó a ser la empresa de mayor crecimiento en EEUU, facturando en 1983 2.000 millones de dólares.
Tras el Apple II, Jobs y Wozniak revolucionaron el mundo de la industria informática con el lanzamiento en 1984 del “Macintosh”, considerado el primer ordenador que responde al concepto de PC (ordenador personal).
El nombramiento en 1983 del ex presidente de Pepsi-Cola, John Sculley, como máximo ejecutivo de la empresa, trajo las primeras desavenencias entre Jobs y la compañía de la manzana.
Además los roces con su antiguo compañero y amigo, Steve Wozniak, tuvieron como resultado la salida en 1985 de Apple de este último, el mismo año en que Jobs presentó su dimisión.
Tras abandonar Apple, creó en 1986 los Estudios de Animación Pixar, fundados sobre la división de animación de “Lucas Film” comprados a George Lucas por 50 millones de dólares. En 1989 la nueva empresa consiguió el Óscar a la mejor película de animación con el cortometraje “Tin Toy” y en 1996 el segundo con “Toy Story”, el primer largometraje realizado íntegramente por ordenador.
En 2005 vendió Pixar a Disney por 7.400 millones de dólares, lo que le convirtió en el mayor accionista de Disney.
Su otra aventura empresarial, NeXTComputer, fue menos exitosa y cerró su división de máquinas en 1993, tras lanzar su primer ordenador en 1989.
Steve Jobs volvió a Apple en diciembre de 1996 con el cargo de asesor interino y mas tarde como presidente con el sueldo de 1 dólar, lo que le hizo pasar al libro Guiness de los Records como el ejecutivo peor pagado.
En agosto de 1997 anunció un acuerdo con su hasta entonces rival Microsoft, que invirtió 150 millones de dólares en Apple.
El lanzamiento en 1998 del iMac, un PC de diseño vanguardista y ordenador multimedia completo, levantó a la compañía, un éxito de ventas que revalorizó un 50% las acciones de Apple.
El Imac tuvo en el Ibook su continuación en el mercado de los ordenadores portátiles.
La consolidación de Apple como marca de referencia de la electrónica de consumo empezó en 2001 con el lanzamiento del Ipod, un reproductor de música y contenidos multimedia del que se han vendido más de 220 millones de unidades hasta 2009.
Su siguiente paso para convertir los productos de la compañía de la manzana en iconos del consumo más sofisticado y fetichista fue el Iphone, un teléfono inteligente de pantalla táctil con conexión a internet, que se lanzó en 2007 y del que se vendieron 50 millones de unidades hasta abril de 2010.
Del Ipad, un ordenador tipo tableta con conexión inalámbrica a internet, se vendieron más tres millones de unidades en todo el mundo en los primeros tres meses en el mercado.
Steve Jobs, que ya había sufrido un cáncer de páncreas, anunció el 14 de enero de 2009 su retirada temporal, al empeorar su salud. Tras recibir un trasplante de hígado y experimentar una mejoría retomó su trabajo el 29 de junio de 2009, aunque el 17 de enero de 2011 anunció de nuevo su baja temporal.
Abandonó el cargo de consejero delegado de la compañía el 25 de agosto de 2011, aunque se reservó la presidencia de la junta directiva.
La respuesta de los mercados ante las bajas médicas y su abandono de las responsabilidades en la misma han dejado claro lo íntimamente ligado que está el nombre de Steve Jobs al futuro de Apple.
Capulina (1926-2011)
Dice Excelsior:
El “Rey del humorismo blanco”, porque nunca recurrió al doble sentido o al lenguaje altisonante, Gaspar Henaine Pérez “Capulina”, marcó a varias generaciones por su participación durante muchos años en la televisión, de la que fue pionero, y en decenas de películas durante los años 60, 70 y 80.
Su deseo siempre fue divertir a los niños y ser un buen ejemplo para ellos.
El actor y comediante, de origen libanés, nació en enero de 1926 en Chignahuapán, en el estado Puebla, y falleció a los 85 años de edad en un hospital del sur de la ciudad de México, donde fue internado por una fuerte neumonía.
Empezó en el medio artístico como cantante del cuarteto “Los Excéntricos” y luego en un exitoso trío que se llamó “Los Trincas”.
En 1952 conoció en la XEW a quien se convertiría en su compañero de comedia por muchos años, Marco Antonio Campos, “Viruta”. Formaron el dúo “Viruta y Capulina”.
Junto a “Viruta”, Henaine participó en el programa televisivo “Cómicos y Canciones” y, cuatro años más tarde, debutó en el cine con la película “Se los chupó la bruja”.
En un inicio imitaban el estilo de los comediantes “El Gordo y El Flaco” (Laurel and Hardy), por las similitudes físicas, pero después adquirieron su propio estilo.
Entre las decenas de cintas en las que aambos participaron sobresalen “Dos viajeros del espacio”, “Angelitos del trapecio” y “Barridos y Regados”.
Recorrieron Centroamérica, Estados Unidos y otros países del continente.
La pareja se separó en malos términos en 1967 y “Capulina” intentó probar suerte en la fiesta brava, pero era difícil hacer reír a la gente con un toro enfrente y entonces decide crear el Circo de Capulina, que le representó un éxito al ser el primero en presentarse en México con el nombre de un artista popular.
Siguió con su carrera en la comedia, siendo actor de teatro, televisión y cine, con películas como Santo contra Capulina (1968), Capulina Speedy González (1968), Capulina contra las momias (1972), Capulina contra los monstruos (1974), El Circo de Capulina (1978) y su último largometraje Mi compadre Capulina (1989).
Grabó 12 álbumes musicales, de los que se rescata Las rejas de Chapultepec.
Dejó la actuación definitivamente en 1997, tras tener una destacada actuación en la popular telenovela El Diario de Daniel, de Televisa.
En ese entonces dijo que ya estaba muy cansado y se fue a radicar a Cuernavaca, Morelos.
Willie “Big Eyes” Smith (1936-2011)
Dice el ABC:
El músico de blues Willie “Big Eyes” Smith, ganador de un Grammy y compañero de banda del legendario cantante Muddy Waters, falleció el viernes en Chicago a los 75 años tras sufrir una apoplejía, según informa este sábado su página web oficial. “Estamos muy apenados de informar de que Willie “Big Eyes” Smith murió la mañana del 16 de septiembre de 2011 en Chicago debido a un derrame cerebral”, indica el breve comunicado en la página principal.
Smith, nacido en Helena (Arkansas) en 1936, coronó su larga carrera en 2010 con el primer y único premio Grammy de su vida, que obtuvo por el disco “Joined at the Hip”, grabado junto al ya fallecido Joe Willie “Pinetop” Perkins.
Pero sus éxitos más escuchados son, probablemente, los que tocó a la batería con la banda de Muddy Waters, en la que permaneció desde 1968 hasta 1980, marcando el ritmo de todos los discos que merecieron un Grammy a su compañero, conocido como “el padre del blues”. Más adelante, Smith formó el grupo The Legendary Blues Band junto a “Pinetop” Perkins, Louis Myers, Calvin Jones y Jerry Portnoy, y logró un notable éxito dentro de la escena de Chicago, llegando a girar con Bob Dylan, los Rolling Stones y Eric Clapton.
En su carrera en solitario, Smith era un amante de la armónica, el primer instrumento que aprendió a tocar, siempre fiel al sonido del blues tradicional de Chicago. Allí fue donde llegó en 1953, con apenas 17 años, y donde desempeñó, durante un paréntesis en el que abandonó la música, otros trabajos, como el de taxista o camarero, según su biografía oficial.
“Willie ‘Big Eyes’ Smith era un genial y versátil bluesman de Chicago que tuvo una dinámica carrera como vocalista, baterista y a la armónica. La música que creó tuvo un impacto indeleble en el género”, dijo en un comunicado Neil Portnow, presidente de la Academia de Grabaciones, que concede los Grammy.
Salvatore Licitra (1968-2011)
Dice el Pais:
Salvatore Licitra, nacido en Berna (Suiza) pero con íntima relación familiar con la ciudad italiana de Ragusa, iba a esta ciudad a recoger un premio el pasado 27 de agosto cuando cayó de su Vespa a causa de una isquemia cerebral que le hizo perder el conocimiento. El tenor se mantuvo ocho días en coma, y finalmente murió ayer en el hospital Garibaldi de Catania. A sus 43 años, Licitra deja a medias una gira cuya próxima parada le llevaría hasta Tokio y que no le ha permitido recoger uno de los premios que más le habrían emocionado, el reconocimiento de su tierra con el galardón Ragusani nel mondo.
Italia, su patria sentimental, lo conoció en el año 2000. Riccardo Muti dirigía a la orquesta desde el pódium de la Scala de Milán y sobre el escenario todo estaba preparado para una Tosca más. Pero salió un tenor diferente, una voz que los milaneses no habían escuchado nunca, y desde entonces Italia sintió un especial apego por Salvatore Licitra, un cantante al que muchos han visto como el heredero de Luciano Pavarotti, muerto en 2007. El debut en la Scala se había producido un año antes, también de la mano de Muti, con una versión de Il Trovatore avalada por el director que dividió a la platea en sorprendidos y ofendidos.
Licitra pudo confirmarse como uno de los cantantes italianos más interesantes del momento cuando el mismo Pavarotti le dio su oportunidad dos años después. De nuevo se representaba Tosca, esta vez en el Metropolitan de Nueva York, pero con un reparto capitaneado por Luciano Pavarotti. Sin embargo, la suerte quiso que el gran tenor italiano no pudiese enfundarse el traje bohemio del pintor Mario Cavaradossi por una indisposición, y a Licitra le llegó su momento. El joven tenor dio a la ópera de Puccini un toque humano, destapó las emociones de una ópera romántica representada hasta la saciedad y los neoyorquinos supieron ver en él un sustituto a la altura. Una vez terminada la función, el público del Met le dedicó una ovación de varios minutos.
Los veroneses tampoco le olvidan. Allí debutó en 1998 en el festival que cada año viste de teatro la Arena di Verona, y en el que interpretó por sorpresa la ópera de apertura del festival. La elección esta vez fue Un ballo in maschera, obra que le había hecho subirse a los escenarios meses antes en el Teatro Regio de Parma. Verona, que siempre ha tenido una relación estrecha con la música de Verdi y con la ópera más clásica, le dio la confianza necesaria para que, años después, supiera afrontar la Tosca de la Scala.
Uno de los que más ha sentido la muerte del tenor, por ser más amigo que compañero de Licitra, ha sido el director Riccardo Muti. Inmerso en una gira con la Chicago Symphony Orchestra, el director italiano ha recordado desde Viena al tenor. “La noticia de la prematura marcha de Salvatore Licitra me tiene consternado. Era un artista que al que me ligaba una afectuosa amistad madurada en muchísimas colaboraciones en el teatro y en algunas grabaciones”, ha comentado Muti a Il Corriere de la Sera.
Licitra está siendo velado en el teatro Massimo Bellini de Catania. Allí se halla como le gustaba estar: rodeado de su familia y sobre el escenario, en la Italia que lo llenó de piropos y de expectativas y que lo nombró heredero del gran Pavarotti. Deja una gira a medias y una incógnita para el mundo de la lírica: ¿A quién le toca ahora ponerse la corona de los tenores italianos una vez desaparecido Licitra?
Francisco Solano López (1928-2011)
Dice Zona Fandom:
Lamentable noticia para empezar el fin de semana. Francisco Solano López, el dibujante de ‘El Eternauta’, ha fallecido hoy a los 83 años de edad, después de unos días hospitalizado y en coma como consecuencia de una caída. Se va así uno de los grandes dibujantes de la historia, cuya influencia ha ido muchísimo más allá de las fronteras donde se publicaban sus cómics.
Nacido en 1928, Solano López comenzó a dedicarse a la historia cuando tenía 25 años, en la editorial Abril. Allí fue donde conoció a HG Oesterheld, creador más tarde y con su ayuda de ‘El Eternauta’. Esta obra le valió a Solano López dibujó para consagrarse dentro de la historia del cómic. Después, cuando salió de Argentina para trabajar en Europa, Solano se ganó la admiración por sus dibujos de aventuras y fantasía, con series como ‘Kelly Ojo Mágico’ o, ya en los 80, Evaristo, guiones de Carlos Sampayo y ambientación en su Buenos Aires de 1950.
Repasar toda su obra es un recorrido que nunca se acaba, porque Solano López trabajó incansablemente en editoriales de todo el mundo, cultivó todos los géneros posibles, incluido, y con gran éxito, el erótico. En España, recientemente, Planeta ha reeditado ‘El ojo mágico de Kelly’ y no hace mucho de la edición que sacó Norma de ‘El Eternauta’, con motivo de su 50 aniversario. De hecho, todavía podéis encontrarla en librerías de nuestro país. Descanse en paz.
